Literatur, REZENSIONEN

Margot Eisenmann-Eschenbacher

Der Komponist Josef Schelb

(Karlsruher Beiträge zur Musikwissenschaft, hrsgg. von Siegfried Schmalzriedt, Band 5)

Peter Lang GmbH/Europäischer Verlag der Wissenschaften Frankfurt /Main

ISBN 3-631-37237-X

 

"Das Buch schildert ein Künstlerleben in schwierigen politischen Krisenzeiten. Der Komponist Josef Schelb ist ein Vertreter der sogenannten Neuen Musik, die seit dem Ende des 19. Jahrhunderts die Entwicklung von der erweiterten tonalität bis zur Moderne einleitete."

 

Aus dem Inhalt: Zeit des Nationalsozialismus - Neubeginn nach dem Kriege an der Musikhochschule Karlsruhe - Die Baden-Badener Jahre - Der Komponist und seine Werke

 

Die Klarinettensonate von Josef Schelb (Rezension der Edition bei Breitkopf und Härtel)

Rezension der CD Josef Schelb, Klavierstücke zu 2 und 4 Händen (Ars 38 522)

Musikalische Juwelen
Diese CD macht schon vom Cover her neugierig: Kühle Grün-Schwarz-Töne, im Zentrum ein drachenartiges weißes Etwas. Man ist gespannt, was es mit diesem Foto, das fast wie ein Gemälde wirkt, auf sich hat. Das vorzügliche Booklet, v.a. aber die Musik selbst klären rasch auf: Die Farbtöne entsprechen exakt den dominierenden Klangfarben der zentralen Stücke, unter denen die melancholisch-sehnsuchtsvollen "Drei Klavierstücke nach dem Ballett 'Die schöne Lau' den direkten thematischen Bezug liefern: Zum geheimnisvollen Blautopf, an dem Eduard Möricke seine Version des romantischen Undinen-Themas ansiedelte. Sontraud Speidel spielt die drei Konzertwalzer mit höchster Raffinesse und feinstem Kalkül. Dasselbe gilt für den Zyklus von Schelbs "10 kleinen Klavierstücken", eigentlich Miniaturen für den Unterricht, die sich in ihren unterschiedlichen Stimmungsgehalten unter Speidels Händen als wahre kompositorische Kabinettstückchen, klavieristische Edelsteine höchster Karätigkeit entpuppen. Tiefernst, von Tragik und heftigen Emotionen geprägt zeigen die spätromantischen "Drei Klavierstücke op.6" aus dem Kriegsjahr 1917 den Komponisten. Die z.T. vertrackten Strukturen werden von der dynamisch und agogisch immer klug disponierenden Pianistin transparent und faßbar gemacht. An Anfang und Schluß des höchst abwechslungsreichen Programms stehen zwei Stücke, welche die andere Seite des oft zur Grübelei neigenden Komponisten Josef Schelb zeigen: Seine Fähigkeit, mit scheinbar leichter Hand direkt "anspringende", mitreißende Musik für Spaß und Unterhaltung zu schreiben. So ist das hochattraktive Eingangsstück der vierhändigen "Kleinen Sonate" aus dem Jahr 1940 mit seinen beiden frechen Ecksätzen und seinem beschaulisch-versonnenen Mittelteil ohne zu übertreiben als ein Juwel seiner Gattung zu bezeichnen. Schier unglaublich, daß dieses Stück bisher nahezu unbekannt blieb. Genau wie das große Schlußstück der "Tanzsuite für 2 Klaviere nach dem Ballett 'Notturno', dessen lasziver "Tango" das Zeug zum Ohrwurm hat. Sontraud Speidel wird auf der CD kongenial assistiert von Ira Maria Witoschynskyj (Kleine Sonate) und Ruben Meliksetian (Tanzsuite).
JVC, anonym

 

Rezension der CD Josef Schelb, Orgelwerke (ARS 38 045)

Ein Schatz, der klingt


Fast wie beim Preisrätsel: Wer ist denn das? Wer schreibt so? Einen Moment lang denkt man (womöglich) an Messiaen und Jehan Alain oder an Hindemith und Genzmer. Doch der Eindruck verflüchtigt sich rasch – und man landet beim Eigentlichen: bei der Musik von Josef Schelb. Der 1894 in Bad Krozingen geborene und 1977 in Freiburg verstorbene Komponist hat ein beträchtliches OEuvre vorzuweisen, darunter drei Opern. In der Spätphase zwischen 1970 und 1974 galt sein Interesse auch der Orgel – Frucht dieser Beschäftigung sind fünf Kreationen, die alle „Orgelwerk“ heißen und sich im Titel lediglich durch die Nummerierung unterscheiden. Drei oder viersätzige Beiträge, sämtliche Satzüberschriften in deutscher Sprache. Artifizielle, gelehrte, pathosfreie Musik, die antiromantisch ist und sich durch nichts anbiedert. Oft spielerische Klangstrukturen, die auf Transparenz setzen. Es braucht eine Phase des Einhörens, um sich diesen Schatz zu erschließen. Und es ist eine farbenreiche Orgel nötig, um diese lineare Musik adäquat zu realisieren. In der viermanualigen Karl-Schuke-Orgel der Immanuelskirche in Wuppertal steht ein solches Instrument von 1967, das den Einfluss der sogenannten Orgelbewegung kaum verleugnen kann.
Martin Schmeding hat sich der Fleißarbeit unterzogen, Schelbs komplettes Orgelschaffen auf CD einzuspielen. Der so fähige wie rührige Freiburger Hochschulprofessor tut dies sehr kompetent und mit viel stilistischem Feingefühl. Ein lohnendes Klangdokument ist das Ergebnis.


Badische Zeitung v. 20.05.2010, Johannes Adam

Rezension der CD Josef Schelb,  Orchestral Music, Vol. One (Toccata Classics 0426)

 

 

Born in Freiburg, Germany, Josef Schelb (1894-1977) first studied music with Hans Huber (1852-1921; see 22 March 2012) in Basel, Switzerland, and later moved to Geneva for further training. He'd subsequently begin his career as a concert pianist, playing throughout Europe and overseas.

Then in 1924 Josef took important teaching positions in Karlsruhe, which except for the World War II years (1939-45), would last until 1957. After that he'd move about seventy miles southwest to Baden-Baden, where he'd spend the rest of his productive life, and devote himself entirely to composition.

He created a significant body of works across all genres. However, almost all written up to 1942 were destroyed in an Allied bombing raid on Karlsruhe. But with the substantial number that followed, some 150 have come down to us. They reveal an au courant composer with a changing style that encompassed elements of impressionism, expressionism, neoclassicism and even twelve-tone technique.

This new Toccata release begins their survey of his orchestral works with three selections he completed in his middle-to-upper seventies. Generally speaking there's a Gebrauchsmusik ("utility music") practicality about this music, which makes it more intellectually than emotionally appealing. They’re all premiere recordings, and the only versions currently available on disc.

While these pieces are immediately accessible, there are detailed analyses of them in the album documentation that are required reading to appreciate their many subtleties. And on that note, we'll limit ourselves here to some general comments about them.

Schleb wrote three independent, through-composed pieces for orchestra, which he called Movimenti, and our concert opens with his fifteen-minute Movimento I of 1969 [T-1]. Maybe the others (dates unknown, and currently unavailable on disc) will appear in later Toccata installments.

This one here has a smoldering preface (SP) [00:01] that bursts into a neoclassical nexus (NN) [00:25] with rhythmically stabbing riffs. NN gives way to pensive passages (PP) [01:06] with a recurring heuristic phrase (HP) [beginning at 01:12] strangely reminiscent of Charles Ives' (1874-1954) The Unanswered Question (1906-8). Then NN and PP fuel a convoluted, colorfully scored developmental arch.

It's followed by a haunting, march-like episode [05:57], which waxes and wanes into an SP-like episode [11:28]. After that there's an animated segment [13:11] with bizarre piano embellishments [14:19], chortling woodwinds [14:41], pounding timpani [15:11] and chanting brass [15:28], bringing the piece to a definitive ending.

There are five numbered works by this composer that he simply referred to as Music for Orchestra. Comprised of three sections each, which he called "parts", they're in essence three-movement symphonies. While the first two and last and last of these (dates unknown) have never appeared on disc, the third and fourth from 1972 fill out this release.

Music for Orchestra No. 3 begins "Ruhig, doch fliessend" ("Tranquil, but Flowing") [T-2] with a hushed preface, hinting at an ominous, domineering idea (OD) soon to come. Then there's a liquid, winding theme (LW) introduced by the woodwinds [00:31], after which OD appears full-blown in the brass [01:16].

LW and OD are extensively explored in a rigorous, episodic development [02:00] with sporadic martial moments. This gives way to an LW-initiated recap [07:14], where there are hints of OD lurking in the background [beginning at 08:20]. But LW prevails, ending this "part" serenely.

A "Sehr lebhaft" ("Very Lively") scherzo based on OD-LW-related motifs follows [T-3]. It's an engaging diversion, in which respectively combative and playful passages alternate with one another.

Josef concludes the work with a "Thema mit Variationen" ("Theme and Variations") [T-4]. This has an OD reminiscent martial introduction [00:00], soon followed by an aloof main subject, having LW overtones. Five brisk variations come next [beginning at 01:05], and then a longer, regal, sixth transformation [04:08]. This builds and fades into a commanding seventh [06:14], succeeded by a concluding coda, which begins mischievously [06:36], and ends the work with a leering grin.

Closing out this disc, there's Music for Orchestra No. 4, whose first "part" is marked "Bewegt" ("Moving") [T-5]. It opens with an extended, impressionistic, searching subject (IS) [00:01], having a melancholy motif (IM) [beginning at 00:10] that will pervade the piece. IS then undergoes a number of transformations in three sequential groups of varying mood. The initial one [01:31] is extroverted and peripatetic, while the next [05:28] takes on a withdrawn, contemplative character. After that an anxious, agitated third [08:23] brings this "part" to an exciting conclusion.

A sense of despair pervades the subsequent "Sehr breit" ("Very Wide") [T-6] right from its anguished opening [00:00]. There's something of Hindemith's (1895-1963) darker moments throughout this as the music builds to a couple of grief-stricken, IM-infected [beginning at 01:07] climaxes, and then fades despondently.

The final "Bewegt" ("Moving") [T-7] gets off to an anxious start with a capricious thematic nexus [00:00]. This gives rise to giddy, pastoral passages that are inexorably pushed aside by martial, aggressive ones. In the process, our old friend IM reappears [beginning at 05:07], eventually powering a final coda [07:25], whereby the composer ends his fourth Music with stark finality.

That champion of overlooked orchestral curiosities, Paul Mann (see 28 February 2018) gets engaging accounts of the two works from the Liepaja Symphony Orchestra (LSO). Schelb's stylistically diverse music turns on a dime, and Maestro Mann's attention to phrasing as well as rhythmic detail brings out all its nuances.

The recordings were made in 2017 at the Great Amber Concert Hall, Liepaja, Latvia, and project a wide but somewhat distant sonic image in an affable venue. The instrumental timbre is characterized by pinched highs and mids but lean, clean bass. Depending on your system configuration and/or settings, some may find the sound skewed a bit left, and want to tweak their balance controls accordingly.

The last selection is served up by Bulgarian conductor Pavel Baleff and the superb Baden-Baden Philharmonic. His interpretation of Schelb's music seems somewhat broader than Mann's, but never loses that inherent feeling of detached spontaneity, which characterizes this composer’s oeuvre.

The recording dates from 2014 and was made by German Südwestrundfunk (SWR, "Southwest Broadcasting"). It was taken from a live performance at the Weinbrennersaal, which is part of the Kurhaus complex in Baden-Baden (see above). However, ideal microphone placement, as well as what must have been skillful postproduction touch-ups and editing preclude any extraneous audience noise or applause. What's more, the orchestra is beautifully captured over the entire frequency spectrum across a broad soundstage in an enriching acoustic.

Classical Lost and Found (CLOFO.com, P180327), Bob McQuiston

 

This is the second release on Toccata Classics of music by the German composer Josef Schelb. The first was a CD of chamber music with clarinet (review). This one announces itself as Volume 1 of orchestral music. Schelb was born in 1894 in the spa town of Bad Krozingen near Freiburg. He studied piano and counterpoint with Hans Huber in Basel, and later with Bernhard Stavenhagen and Otto Barblan in Geneva. This launched a two-pronged career as pianist and teacher, and for thirty years, from 1924, he held a professorship in piano and composition in Karlsruhe. His last days were spent in Baden Baden where he devoted himself exclusively to composition. He died in Freiburg in 1977. His compositions include orchestral works, symphonies, concertos, chamber music, two ballets and an opera. His work was championed by such renowned conductors as Hermann Scherchen, Josef Krips and Bernard Haitink.

Schelb embraced a variety of styles, but in his later work, from the 1950s onwards, his music became more harmonically advanced. He started combining tonal and dodecaphonic principles. Hindemith, Hartmann and Bartók were strong influences. The range of expression in his music bears testimony to the significant events in his life: the early death of his mother, two World Wars, the rise of Nazism and the loss of his early manuscripts in a bombing raid in Karlsruhe in 1942. Conflicting emotions underpin his music; there is drama, fate, relentlessness, elegiac lyricism, playfulness, melancholy, hope and consolation.

Movimento 1 is the earliest work here, dating from 1969. For the most part, it is a work of exceptional vitality and dynamism, and those qualities I mentioned of drama, playfulness and optimism, yet with a slight hint of melancholy, all provide a wide-ranging musical narrative. Schelb's colourful scoring and masterly orchestration add both potency and a beguiling sonic blend.

The composer wrote five Musics for Orchestra, each similarly cast in a tripartite structure. Nos. 3 and 4 were penned in 1972. In both I detected atonal leanings and strong dissonances. In No. 3, a lively and boisterous movement sits centrally, framed by a flowing opener of bucolic persuasion and a theme and variation third movement. The theme is quite solemn and serious. The variations show a wealth of imaginative skill and compositional dexterity. I found No. 4 a much harder nut to crack. The first movement starts elegiacally, but soon the mood seems to take on a certain stubborn defiance. Slow, weighty and solemn, yet dignified—this sums up the middle movement. The finale is animated and fluid, and on a couple of occasions works up a decent head of steam. Although composed in the early seventies, it took over forty years for this work to be performed. This concert performance, given in Baden-Baden on 12 December 2014, is its premiere. It was recorded by Southwest German Radio in the presence of an enthusiastic audience.

All the performances here are well-recorded, stylish and alert. I enjoyed the music very much, and look forward, with eager anticipation, to the next volume. This constitutes an auspicious start to what promises to be compelling orchestral cycle.

Music Web Int. 56 (2021), 891, Stephen Greenbank

 

 

Aus der Ecke

 

Josef Schelb ist weithin ein Unbekannter. Toccata macht mit einigen Orchesterwerken bekannt, die allerdings etwas mehr Zündkraft entfalten könnten.

 

Auch an seiner Wirkungsstätte Karlsruhe ist Josef Schelb (1894–1977) über lange Zeit eine gänzlich ignorierte Größe geblieben, obwohl er (a) über mehrere Jahrzehnte Professor an der dortigen Musikhochschule war und (b) sich immerhin das Busch Kollegium Karlsruhe um Bettina Beigelbeck in Zusammenarbeit mit der Badischen Landesbibliothek um den Komponisten bemüht hat. Der diskografischen Lücke wirkt sich das Label Toccata Classics entgegen, im vorliegenden Fall durch einen kurzen Blick in Schelbs Orchesterschaffen. Die drei hier vorgestellten Werke entstanden in dem kurzen Zeitraum 1969–1972, als Schelb seinen Lebensabend in Baden-Baden verbrachte. Dabei klingt 'Movimento I' aus dem Jahr 1969 alles andere als eine betuliche Komposition eines alternden Fünfundsiebzigjährigen, vielmehr als ein rhythmisch und harmonisch komplexes, instrumental fein gewobenes Werk im Schatten der Fünfzigerjahre, von Hartmann, Fortner und vielen anderen Zeitgenossen. Wir wissen nicht, wie Schelbs frühe Werke geklungen haben (all seine Kompositionen bis zu diesem Zeitpunkt fielen 1942 dem Bombenhagel über Karlsruhe zum Opfer). Vielleicht kann man aber aus 'Movimento I' erahnen, dass wir hier einen Komponisten der – wenn man so will – expressionistischen Hindemith-Nachfolge haben, auch mit ein paar Elementen der ‚Neuen Einfachheit‘ und des durch extensive Kontrapunktik geprägten ‚linearen Stils‘.

 

Aus dem Jahr 1972 stammen Musik Nr. 3 und Nr. 4 für Orchester – letztere ist als Uraufführungsmitschnitt mit der Philharmonie Baden-Baden unter Pavel Baleff aus dem Jahr 2014 zu hören. Beide Werke sind (wie auch die drei anderen Werke dieses Titels) dreisätzig und experimentieren mit symmetrischen Werkkonzeptionen ebenso wie mit tradierten Topoi, etwa dem Thema mit Variationen. Der Verzicht auf Titel wie Sinfonie ist gewollt, wirkt im Vergleich zu vielen Zeitgenossen, die ähnliche Formstrukturen erkunden, gleichwohl ein wenig aufgesetzt. Schlussendlich ist es ja der Inhalt der Kompositionen, der für sich überzeugen muss – und da findet man weltweit Werke, die ähnliche Ziele verfolgen und gleichfalls reiche Ergebnisse bringen. Schelbs Orchestermusik befindet sich also in guter Gesellschaft.

 

Dass Schelbs Idiom Orchestern unbekannt ist, merkt man allenthalben. Die Uraufführung spult sich – ein wenig auf ‚Nummer Sicher‘ – in etwas problematischer Mikrofonierung ab (die Streicher sind fast durchgängig ‚untersteuert‘), der Puls der Musik ‚hebt nicht ab‘, auch um des Notentextes Herr zu werden. So haben wir eine solide Leistung, die aber nicht ganz das Potenzial der Komposition auslotet. Gleiches gilt für die beiden anderen Werke. Das Liepāja Symphony Orchestra mag kein ‚erstes‘ Orchester sein (viele Töne der Bläser sind nicht ganz sauber), klingt aber unter Paul Mann frisch und unverkrampft, was das Fehlen echten symphonischen Schmelzes, wie ihn ein Rundfunksinfonieorchester aufbieten könnte, fast vergessen lässt (nicht zuletzt auch weil deutsche Rundfunksinfonieorchester sich meines Wissens in den letzten zwanzig Jahren nicht mit Schelbs Kompositionen auseinandergesetzt haben). Dass auch hier das 'Sehr lebhaft' nicht mit vollem Elan ausgekostet wird, ist bedauerlich. Zwar kann man Schelbs Kompositionen durch die vorliegende Produktion studieren, doch besteht interpretatorisch noch viel Raum für alternative Lesarten, geschweige denn eine Referenzproduktion.

 

Klassik.Com vom 19.03.2018, Jürgen Schaarwächter

 

Rezension der CD Josef Schelb, Orchestral MUSIC, Vol. TWO: Three Concertos (toccata 0604)

Noblesse und Melos

 

Spätromantik und Zwölftönigkeit: Das sind die Pole, zwischen denen Josef Schelb bei diesen drei Solokonzerten nach Herzenslust unterwegs ist. In Werken, deren Satzfolge sich immer am tradierten Konzertmuster orientiert, wonach ein langsamer Satz von zwei schnellen umrahmt wird. Der Komponist, der 1894 in Bad Krozingen geboren wurde, an der Karlsruher Hochschule lehrte, zuletzt in Baden-Baden lebte und 1977 in Freiburg starb, zeigt viel Sympathie für die aufgebotenen Soloinstrumente. Die Verbindung von Musik und Energie, das Musikantische und Spielerische – man spürt es nicht nur im Klavierkonzert, bei jenem Instrument, dem Schelb als ausgebildeter Pianist besonders zugetan war (Solistin: Tatjana Blome). Musik der Sachlichkeit mit Raum fürs Lyrische und die klingende Rückschau. Wenn das zuweilen virtuose Klavierkonzert von 1949 lupenrein auf einem markigen C-Dur-Akkord schließt, dann ist dies ein Bekenntnis zur Tradition. Exzellente Solisten sind auch im 1956 entstandenen zweiten Bratschenkonzert und im späten Konzert für Englischhorn am Start. Den Orchesterpart – in allen Fällen sind lediglich Streicher in Aktion – weiß Schelb stets sehr versiert zu gestalten. Im Kopfsatz des Bratschenkonzerts gibt es Momente, die an die Tonsprache von Mahler und Ravel erinnern. Die langsamen Mittelsätze implizieren mitunter Elemente von Trauer und Resignation. Das Melos der Bratsche (Sarina Zickgraf) und die Klangnoblesse des Englischhorns (Dominik Wollenweber) können sich bestens entfalten. Unter der Leitung ihres Chefs Jürgen Bruns überzeugt die Kammersymphonie Berlin vollends. Apropos Berlin: Eingespielt wurde diese schöne, informative CD Anfang Januar 2021 in der Jesus-Christus-Kirche in Berlin-Dahlem – dort, wo einst ja bereits Herbert von Karajan aufgenommen hat.

 

Badische Zeitung v. 30.06.2021, Johannes Adam

Deutscher Spätest-Expressionist

 

Er war nach den Worten seines Kompositionsschülers Gerhard Zeumer "auf eine ganz und gar unprovinzielle Weise provinziell". Die Rede ist von Josef Schelb, einem sehr deutschen Komponisten, der 1894 im Südschwarzwald zur Welt kam und 1977 dort auch gestorben ist. Sohn Richard Schelb kümmert sich um das Erbe seines Vaters, er betreibt die Website josef-schelb.de, hat für das Volume 2 der  Orchesterwerke den Booklet-Text verfaßt und sorgt dafür, daß die Werke seines Vaters auch auf CD erscheinen.

Wir müssen ihm dafür dankbar sein, denn die ersten beiden Folgen mit Orchesterwerken sind nicht nur gut, sie begeistern regelrecht, wenn auch vielleicht nicht beim ersten Hören. Das gilt vor allem für die beiden Musiken für Orchester (beide 1972, Vol. 1). Man muß diese herbe, am deutschen Expressionismus in der Nachfolge von Hindemith und Hartmann geschulte, dabei handwerklich meisterhafte und - auf faszinierende Weise -  unsinnliche Musik mögen, quasi durch ihre raue Schale zum süßen Kern vordringen, dann offenbart sie ihren Zauber. Eingängiger.dabei nicht minder deutsch-gelehrt, geben sich die drei Solokonzerte von Vol. 2, wobei das späte Englischhorn-Konzert (1970) regelrecht betörende Töne anschlägt.

 

Schwäbische Zeitung vom 1. Februar 2022, Burkard Schäfer

 

 

Noch zu entdecken ist der Komponist Josef Schelb (1894–1977), geboren im heutigen Bad Krozingen bei Freiburg im Breisgau. Er studierte in Basel und Genf bei damals berühmten Professoren wie Hans Huber, Bernhard Stavenhagen und Otto Barbian und machte sich zunächst als Pianist in der Musikwelt schon früh einen Namen.
Als ständiger Klavierpartner des großen katalanischen Violinvirtuosen Joan Manén bereiste er viele Länder Europas und Amerikas. Bei einem Fliegerangriff auf Karlsruhe 1942, den Schelb und seine Familie nur mit knapper Not überlebten, ging der größte Teil seiner frühen Kompositionen verloren. Vom Karlsruher Lehramt emeritiert, verbrachte Schelb die letzten beiden Jahrzehnte seines Lebens an seinem Altersruhesitz in Baden-Baden.
Diese neue CD enthält nun drei seiner konzertanten Werke mit Streichorchester, komponiert nach dem Zweiten Weltkrieg, vorrangig neoklassizistisch und überwiegend auf der heiteren Seite des Lebens. Welch schwere Zeiten diese Generation durchmachen musste, spürt man hier allenfalls unterschwellig.
Zuerst kommt das Konzert für Klavier und Streichorchester von 1949, in dem der gelernte Pianist Schelb „sein“ Instrument besonders idiomatisch zu behandeln und raffiniert mit dem Tutti zu verweben versteht. Noch erstaunlicher erscheint danach das Konzert für Viola und Streichorchester von 1956, das Schelbs Lieblingsinstrument zu einer perfekt ausgewogenen Mischung von klaren und getrübten Elementen führt. Es hat nach wie vor das Potenzial, zu einem der beliebtesten Bratschenkonzerte der neueren Zeit zu werden.
Das Klavierkonzert und das Violakonzert sind hier erstmals eingespielt, im Gegensatz zu dem 1970 entstandenen Konzert für Englischhorn und Streicher. Angeregt dazu wurde er von Helmut Koch, damals der vorzügliche Solo-Englischhornist des zu dieser Zeit in Baden-Baden ansässigen SWF-Sinfonieorchesters. Das Englischhornkonzert zeigt mehr Einflüsse aus dem Impressionismus und auch aus der Zwölftönigkeit. Es geht noch weiter in der Entwicklung einer ausgeschlafenen Polyfonie, versteckt seine Abwechslung aber weitgehend im komplexen Tonsatz.
Diese Einspielungen sind herzliche Plädoyers für die kaum bekannten Werke. Geradezu sensationell erreicht uns das Viola-Charisma der 1991 in Freiburg geborenen Sarina Zickgraf. Dominik Wollenweber ist hauptberuflich Solo-Englischhornist der Berliner Philharmoniker.
Als ein makelloser Konzert-Partner erscheint hier die Kammersymphonie Berlin. Der Dirigent Jürgen Bruns sorgt dafür, dass man alles hört und zugleich so viel Freude wie möglich an dieser Musik bekommt, sodass man sie irgendwann kaum noch als spröde wahrnimmt.

 

Das Orchester 11 (2021), S. 78, Ingo Hoddick

 

Another impressive release of Schelb's music from Toccata

 

Toccata has been active in propagating the music of Josef Schelb and you will find some biographical information included in previous releases that have been covered on this site (review ~ review).

It was Schelb’s son Albert, who has edited his father’s works, who was largely responsible for this renewal of interest, and he contributes notably fine booklet notes, in English and German. This second volume in the Schelb orchestral music series focuses on three concertos, for piano, viola and cor anglais.

The Concerto for Piano and String Orchestra dates from 1949 and shares a three-movement structure with the other two concertos here. It’s a ripely neo-classical work that reveals Schelb’s willingness to explore lyricism, melancholy and whimsicality alike. Its opening movement is crisp and cheerful, with limpidity inbuilt, and a fine cadenza, which is well dispatched by Tatjana Blome. A deft orchestrator, Schelb ensures clarity so that the solo piano line is never obscured, not least in moments of expressive density in the central movement, where the piano’s chiming repeating figures both start and end the movement. Neo-classical buoyancy reasserts itself in the finale, through there’s a lusciously warm B section to act as an excellent contrast. This is a winning work, excellently performed though, for my tastes, the piano is balanced too far forward.

Seven years later came the Concerto for Viola and String Orchestra (there’s an earlier 1952 Viola Concerto which is scored for strings, winds and horns) where soloist Sarina Zickgraf catches the music’s cantabile eloquence which is couched, once more, in a neo-Baroque idiom. Schelb’s ability to conjure lyric warmth is very much in evidence here, not least in the tranquillo generosity of the slow movement, whereas he has an equal command of giocoso finales. Here phrasal elasticity, aerial brio and deft sharing of material between string orchestra and solo viola bring a real sense of communicative élan.

The Cor Anglais Concerto followed in 1970 by which time – seven years before his death – Schelb’s music had undergone something of an expansion in style. It’s saturated with extended tonality and its fluidity – which is always elegant – allows the music to flow with relatively compressed assurance. Once more there is an example of Schelb’s propensity for veiled melancholy in his slow movements and – yet again – there’s a correspondingly light and jaunty finale notwithstanding the earlier recourse, in places in the first movement, to twelve-tone procedure. Dominik Wollenweber is the refined soloist.

The balances are better in the concertos for Viola and Cor anglais than in the Piano Concerto, but all the soloists are admirable, as is conductor Jürgen Bruns, who delineates orchestral strands very adeptly and is clearly as in tune with the lyricism as well as the more harmonically advanced nature of Schelb’s compositional arsenal.

 MusicWeb International 67, September 2021, Jonathan Woolf

 

What is more bracing than a short, Neoclassical concerto, with strings chugging away in the propulsive outer movements, a gently unfolding slow movement, notable contrapuntal ingenuity, and a virtuoso soloist strutting his or her stuff? (Well, maybe an actual Classical-period concerto is more bracing, but nevertheless….)

 

Josef Schelb (1894–1977) is described by Toccata Classics as one of the “better kept secrets of German music,” a description that raises eyebrows as German music is rarely kept secret. He is one of those little-known composers that occasional Fanfare contributor Martin Anderson (who oversees the label) unearths, usually to great effect. Previously, Schelb’s work was unknown to me but not to this magazine: The above disc is Volume 2 in a series of his orchestral music. Volume 1 was reviewed in 41:6 by Jim Svejda, who found the music on that disc “anonymous, dull, and generalized” and damned the composer as “a lost cause.” On the basis of the second disc, I see what Svejda means—there are echoes of Hindemith and (early) Hartmann without the distinctive creative profile of those masters—but these concertos are far too enjoyable to write off entirely. Maybe it is the concerto form (concertino, to be honest), with its focus on a solo instrument, that gives them an injection of personality? In any case, while you may not jump to your feet and shout, “Good Lord! Schelb! I’d know him anywhere!,” the claims made for these works in the packaging seem more than reasonable, recognizing the composer’s “craftsmanship,” “light and nimble touch,” and “lively sense of humor.”

 

The concertos strike me as a grittier, German equivalent to the series of Concertinos (with string orchestral accompaniment) by Lars Erik Larsson. They also recall similar works from the same era by another 20th-century German, Harald Genzmer. Composed in 1949 (Piano Concerto), 1956 (Viola Concerto), and 1970 (Cor Anglais Concerto), they share a basic, Neoclassical outlook that does not seem to have been affected by the changes in European musical fashion that took place over that 21-year period. For Schelb, Darmstadt might as well have been on the moon—not such a bad thing.

 

All three are well played. Blome gets plenty of strength as well as fluency out of the busy piano part in her concerto, which is the most like Hindemith (namely, the Kammermusik No. 2, but less relentless). Solo viola brings more warmth to the proceedings, especially in a slow movement (andante tranquillo) that reveals a rich, yearning quality. There are plenty of fireworks in the molto vivace finale, and Zickgraf shines in both moods. I liked the smooth tone of Wollenweber’s English horn. (I actually prefer cor Anglais: the term English horn suggests either a foxhunt or a London cab.) Wollenweber and the conductor make the most of the timbral contrast between the wind instrument and the body of strings. Above all, the accompaniments are expressively judged by the Kammersymphonie Berlin under their longtime director Jürgen Bruns. Why don’t we hear more of them on record? Way back in 2002 they released a marvelous recording of Kurt Weill’s Second Symphony that has long remained my favorite, coupled with Berthold Goldschmidt’s Suite for Orchestra, op. 5, and Roberto Gerhard’s Concertino for Strings, op. 12 (an early work, of which that was the premiere recording). More recently, they participated in a terrific disc of Polish violin concertos; I reviewed it in Fanfare 40:3.

 

Toccata’s recording is fairly close-up for the soloists but not disastrously so. The acoustic assures that Schelb’s contrapuntal writing is clear. Frankly, I love this kind of thing and recommend it wholeheartedly.

 

Fanfare Magazine, 45:3, Jan./Feb.2022, Philipp Scott

 

 

Josef Schelb (1894-1977) zählt zu den sich mehrenden Entdeckungen von Komponisten, die in der Musikentwicklung seit den 1950er-Jahren verdrängt und ausgeschaltet wurden. Es ließe sich mittlerweile geradezu von einer Musik neben der „offiziellen“ Musik der Zeit sprechen: Diese hält jenseits des Avantgardismus an traditionellen musikalischen Ausdrucksformen fest, ist eingängig, überschaubar gestaltet, spielfreudig, meidet absurde Verstiegenheiten und ist regelmäßig kompositorisch gediegen-makellos gestaltet.

Das alles trifft auf die drei hier eingespielten Konzerte mit Streichorchesterbegleitung zu, die nun freilich auch interpretatorisch auf vorzüglichem Niveau eingespielt wurden. Dominik Wollenweber, der Solist im Englischhorn-Konzert (1970), ist immerhin der Solo-Englischhorn-Spieler der Berliner Philharmoniker, Sarina Zickgraf zählt zu den namhaften jüngeren Bratschistinnen, mit deren werbender Interpretation sich das Bratschenkonzert (1956) als ein Repertoirewerk erweisen könnte. Und Tatjana Blome, die Solistin im Klavierkonzert (1949), hat sich wiederholt erfolgreich für unterdrückte Komponisten der Zeit (Frommel, Braunfels) eingesetzt.

Schelb arbeitet den begleitenden Tonsatz in den Konzerten vor allem harmonisch-rhythmisch aus, um auf diese Weise den Solostimmen freien Raum zu melodischer Entfaltung zu geben. Und in den langsamen Sätzen der Konzerte findet er denn auch zu einem ganz eigenen wunderbar-versponnenen Lyrismus. Die Kammersymphonie Berlin unter Jürgen Bruns begleitet nicht bloß ansprechend-gediegen, sondern individualisiert ihrerseits die Satzfolgen klangvoll voller Impetus, der stets auf die Solisten abgestimmt bleibt.

Fono Forum v. 20.12.2021, Giselher Schubert

 

Rezension der CD Josef Schelb,  Piano Trio No. 2, Horn Quartet, Piano Quintet (haenssler classic: HC 22015)

Ausdruck mit Stil

 

Und wieder tat sich die Schatztruhe auf. Heraus kamen drei Kammermusikwerke, die nun erstmals auf CD eingespielt wurden. Wir sind beim Komponisten Josef Schelb, der 1894 in Bad Krozingen das Licht der Welt erblickt hatte, an der Karlsruher Hochschule lehrte, zuletzt in Baden-Baden lebte und 1977 in Freiburg starb. Das Musikantische, das Spielerische: Sie prägen Schelbs Ästhetik am meisten. Zu hören ist eine Musik, die – mit Ausnahme der Satzschlüsse – kaum Stillstand zu kennen scheint. Die Tonkunst eines Komponisten, dessen zweifellos vorhandener Personalstil zwischen Spätromantik und Zwölftönigkeit durch die häufig, aber unaufdringlich einbezogene Polyphonie geadelt wird. Bestätigt findet man dies in den aufgenommenen Werken aus den Jahren 1954 bis 1970. Mit dem immer an Raritäten interessierten Pianisten Oliver Triendl als Aktivposten. Stets dabei auch Daniel Gaedes Geigennoblesse und der Cellist Samuel Lutzker. Mitwirkende beim Klavierquintett von 1970 – mit deutschen Satzbezeichnungen – sind zudem Nina Karmon (Violine) und Hariolf Schlichtig (Viola). Der lebhafte zweite Satz enthält emotionale, fast perkussive Streicherattacken. Im Finale erinnert Schelbs Tonsprache mitunter an Bartók und Strawinsky. Nicht nur beim dreisätzigen Hornquartett von 1962 zeigt sich die Relevanz der Einzelstimme im Kontext des Ganzen. Schön hier Radovan Vlatkovics werkdienliche, nie dominante Horn-präsenz. Das Klaviertrio Nr. 2 von 1954 erweist sich als würdiger Vertreter der Gattung. Apropos Sätze: Die schnellen haben Schwung und Energie, den langsamen ist in Werk und Wiedergabe sehr viel Ausdruck eigen.

 

Badische Zeitung v. 22.4.2022, Johannes Adam

Josef Schelb (1894-1977) is yet another obscure composer whose music is now being brought into the limelight. The son of a doctor, he was able to avoid much involvement in the Third Reich by living and studying in Switzerland. His music and pianism were strongly influenced by his teacher, Bernhard Stavenhagen (1862-1914), who had been a pupil of Liszt, but as time changed so too did his style. These three pieces all date from later in his career, the Piano Trio from 1954, the Quartet from 1962 and the Piano Quintet from 1970.

Although it changed, Schelb’s music never completely lost its tonal bias or its strong purely classical construction. Oddly, some of the modern harmonies used in the Piano Trio sound much more like modern French music than German or Hungarian. The notes, written by Schelb’s son Albert, makes reference to his incorporating bits of serial technique, but this music is clearly not 12-tone. Nonetheless, despite its tonal bias, the music is tonally unsettled since Schelb used what we now call “rootless” chords, and this keeps the listener engaged as the piece progresses. Schelb’s strong sense of logical construction is also present; despite moments of high energy, this is a piece that takes its time developing and does so in a linear fashion that is not too hard to follow or digest. It is, nonetheless, quite interesting, using highly varied rhythms as well as dynamics changes within the framework of each movement. There are also some surprisingly lyrical themes, such as the one played by the violin near the end of the first movement. The second movement is a quirky, almost humorous scherzo in 6/8 time in which Schelb uses the rhythm as a springboard for bouncy syncopations as the music is propelled along. Also, despite the tonal bias, his themes are just a bit hard to grasp, somewhat resembling early Shostakovich.

The third-movement “Adagio” opens with a cello theme which he develops slowly and quite interestingly, with the violin and viola playing their own counter-melodies above it while the piano explores single notes in a somewhat atonal fashion. In ways like this, Schelb was able to combine tonal and atonal elements in a way that was totally different from other composers. And once again, he uses a 6/8 rhythm for the faster episode in the midst of this movement. At the end, the music slows down and literally melts into nothingness before he embarks on the rapid concluding movement, “Animato mosso,” with its string tremolos played against an active piano theme and a slower-moving section in atonal chords. If one were to “straighten out” the harmony, however, one would find a tightly organized and quite interesting piece here which could easily sway an average audience into liking it. (Not that I don’t like it the way it is, just that I’m only too familiar with the wall that average listeners put up in their minds as soon as they hear harmonies they can’t absorb or follow easily.)

The unusual Quartet in which a French horn is added to the piano trio is clearly more advanced harmonically than the Trio; even from the outset, there is no attempt on Schelb’s part to mollify the average listener. This is music that lies in a strange valley between Hindemith and Berg, you might say, although Schelb clearly had a more purely “classical” style than even Hindemith. Here, Schelb constantly vacillates between moods as well as meters, yet does so in a way that somehow ties them all together into a coherent statement. Without knowing the scores, however, I wondered while listening if the energy I heard stemmed from the notes on the page or from the wonderful interpretation of the players on this recording; nonetheless, it is a consistently striking and interesting piece. Here, not even the top line of the music would please an average audience; there is no attempt to meet their expectations in this respect. Every single note in this piece seems the result of long thought and consideration; there is tremendous inner logic applied to what Schelb wrote, and thanks to the passionate performance style it communicates. Our horn player, Radovan Vlatkovič, has an excellent technique and a warm sound, but for me it’s a bit too “closed” a sound, lacking the bite I like to hear from a French horn, but this is consonant with the modern style of playing this instrument.

Oddly, in the third movement Schelb once again reverts to a somewhat lyrical, Romantic theme, albeit one in which every three notes you hear one placed in such a way that it is out of tonality. One thing I noted in this Quartet, however, was Schelb’s penchant for very quickly wrapping things up in each movement with a few brief notes used as a coda, without much preparation to the listener. This gave each movement the feeling having a sudden “ta-daaa!” moment at the end.

The 1970 Piano Quintet reverts, at least in the first movement, to the sort of more lyrical style one heard in the Trio; in fact, there is a secondary theme here, led by the violin, that is remarkably broad and almost tuneful in a conventional manner. The second movement, which alternates between an energetic theme with an ostinato rhythm and secondary themes in slow or medium tempi, also sounded to me like a cross between Schelb’s two different styles; it works, however, due solely to his strong underlying sense of construction. This movement also ends abruptly, but on a sudden chord and not a more conventional “ending” motif. The slow third movement is lyrical but always slightly edgy in harmony, never quite as comfortable as in the earlier piano trio. This movement ends mysteriously and suddenly, a distinct improvement on some of the movements in the earlier works.

The last movement is, again, typical of the way Schelb could combine “standard” classical form and rhythms with modern harmony and his odd, “fractured” themes, except that here, the theme seems to be a continually evolving piece not much given to juxtapositions of different motifs. It surprisingly slows down considerably towards the end, and this time Schelb constructed a properly formal and quite interesting finale.

This is an exceptionally interesting CD. The music presented here is wholly unique in style, often seamlessly combining features of older (late Romantic) and modern classical forms and harmonies, and all of the performers involved give everything they have to the venture. Go for it!

 

The Art Music Lounge, May 28, 2022, Lynn René Bayley

 

 

Die Musik des Komponisten Josef Schelb (1894–1977) dürfte bisher den wenigsten überhaupt einmal begegnet sein. Kaum etwas aus seinem umfangreichen Œuvre liegt eingespielt vor – dabei ist sein Schaffen mit Opern, Balletten, nicht weniger als 11 Sinfonien, weiteren Kompositionen für Orchester, Kammer- und Klaviermusik sehr breit aufgestellt. Noch dazu hat Schelb eine sehr eigene musikalische Sprache entwickelt, die sich fast jeder Schubladisierung entzieht – was ihn wirklich interessant macht: Sie verfügt über eine gewisse französische Farbigkeit wie auch über eine polyphonen Führung der Stimmen. Harmonisch frei, bleibt Schelb gleichwohl der Idee eines Zentraltons und gewichtender Klangspannungen verbunden: Kaum anders ist es möglich, das Changieren der unterschiedlichen Charaktere zu verstehen, die einmal fast spätromantischen Gestus annehmen, ein anderes Mal sich linear entfalten. Da seine «Atonalität» tonal gebunden ist, macht es mich keineswegs froh, wenn Schelb jun. im Booklet gutwillig und doch wenig hilfreich von Impressionismus, Expressionismus, Atonalität und Dodekaphonie schreibt und damit unnötig polarisiert. Man sollte die Musik besser erst hören und sich dann – vermutlich nach wirklich passenden Worten suchend – ein eigenes Urteil bilden. Dennoch ist es erstaunlich, dass Schelb noch in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts sich an traditionellen Gattungen und Besetzungen orientierte, seine Satzfolgen, Satzformen und Ausdruckscharaktere auch kein ausgewiesenes Neuland betreten – und er damit einen traditionellen Werkbegriff fortschreibt, den Entwicklungen der Nachkriegs-Avantgarde zum Trotz. Gerade dies jedoch macht die Musik von Josef Schelb so erstaunlich, dass man der hier vorgelegten Kammermusik folgt und sich wiederholt mit ihr auseinandersetzen mag. Dazu beigetragen hat aber auch das um Oliver Triendl versammelte Ensemble mit fertig ausgehörten Interpretationen und einem runden Klang. Eine bemerkenswerte terra incognita.

 

Neue Musikzeitung vom 31.5.2022, Michael Kube

Rezensionen der CD Josef Schelb, Chamber Music, Vol. Two (TOCCATA, TOCC 0548)

Kammermusik von Josef Schelb

Mit Humor gewürzt

Es ist fast wie die Hommage an eine Epoche. Vor allem in dem mit "Kammermusik" betitelten Opus für Flöte, Viola (Jean-Eric Soucy) und Harfe (Isabelle Moretti) klingt der Impressionismus nach. Dieses Harfentrio Josef Schelbs ist sehr angenehm zu hören: beispielsweise der warme, pastorale, in B-Dur schließende Kopfsatz oder die chaconneartigen Variationen des in g-Moll ausklingenden Finales. Immer wieder wird klar: Der 1894 in Bad Krozingen geborene, in Karlsruhe lehrende, einst in Baden-Baden lebende und 1977 in Freiburg gestorbene Schelb ist ein Komponist, der auch heute noch etwas zu sagen hat. Auf der beim Londoner Label Toccata Classics erschienenen neuen Kammermusik-CD zeigt sich das bei vier Ersteinspielungen von Werken der Jahre 1948 (Harfentrio) bis 1971 (Flötensonate Nr. 3). Apropos Flöte: Von Stéphane Rétys Kunst auf seinem Instrument wird diese Scheibe besonders geadelt. Bei der ja hervorragende Interpreten zur Stelle sind. Schön, wie expressiv im Lento des 1961 entstandenen Trios die Flöte und das Cello (Freiburgs philharmonischer Solocellist Denis Zhdanov) über der Klavierbasis (Roglit Ishay) gleichsam singen. Wie eine Mischung aus ernstem Abgesang und leiser Klage wirkt die langsame Mitte im Quartett für Oboe (Nicolas Cock-Vassiliou), Violine (Alexander Knaak), Viola und Cello von 1953. Ehe das Finale dann mit Humor gewürzt ist und Schelb abermals dokumentiert, dass er lakonische Schlüsse mag. Eine sehr attraktive CD, die den Nachweis führt, dass selbst Musik des 20. Jahrhunderts auf Anmut nicht verzichten muss. Diese Musik sollte man spielen. Unbedingt!

 

Badische Zeitung vom  3. Juni 2022, Johannes Adam